A silence fell with evanescent promises in filigree ; an imprint originated from an encounter at the low point of the lack ︎
Un silence qui s’impose, promesses évanescentes en filigrane ; une empreinte, issue d’une rencontre au creux du manque ︎


She plays with the codes of pop culture, which has replaced absolutist dreams with a deep relativism whose dominant form is still economic pragmatism, to immerse us into the heart of a postmodern world stripped of exteriority ︎
Elle joue avec les codes de la culture pop, qui a aboli les rêves d’absolu au profit d’un profond relativisme dont la forme dominante reste le pragmatisme économique, pour nous plonger au cœur d’une postmodernité dépourvue d’extériorité ︎

︎ isabelle.lutz@gmail.com

︎ by day
︎ and night 
︎ between Geneva and Lausanne (CH)

This work is best viewed on a desktop or tablet screen. If read on a smartphone, landscape mode is preferable to portrait ︎
Il est préférable de visualiser ce travail sur un moniteur ou une tablette. A défaut, sur un smartphone, le mode paysage est plus adapté ︎

2005–2023 © isabelle lutz

A NA-NA’S PARALLAX 2010-2021


︎︎︎︎︎︎ EX NIHILO 2.0

Video & audio installation, 2015.

video#1 :: 03mn16-loop
video#2 :: 05mn52-loop
video#3 :: 02mn39-loop
video#4 :: 04mn43-loop
video#5 :: 03mn27-loop
video#6 :: 03mn59-loop
video#7 :: 03mn46-loop


Genesis 2.0 :: speakers playing three soundtracks & audio text [12mn-loop]

EN | Ex Nihilo 2.0 is a video installation offering, instead of metaphor, a reflection space setting up its will – of enjoyment – to pay tribute to the power of the image that always speaks about itself and makes fun of appearances ; always bearing in mind that smile is at the origin of grimace. An orgasm that laughs, sometimes cries, without being able to permanently relieve : the recommencement for eternity where silence and tension widen a condition that becomes fiction faced with the impertinence of a time exceeding us. Tides or waves... Sisyphus and a myth in full exaltation ; a layer of mother-of-pearl at the origin of a spring that never dries up : a woman, seven escapes, many shouts and a gaze wanting to be a caress to feed on intimacy, creating an encounter at the edge of the ineffable – between nature and culture... A trip to the end of breath ; a veil thrown on a reality full of uncertainty – since we never take flight differently than against the wind.

FR | Ex Nihilo 2.0 est une installation vidéo proposant, en guise de métaphore, un espace-miroir instaurant sa volonté – de jouissance – pour rendre hommage au pouvoir de l’image qui toujours parle de lui-même et se moque joyeusement des apparences ; ne perdant de vue, loin s’en faut, que le sourire est à l’origine de la grimace. Un orgasme qui rit, pleure parfois, sans parvenir à soulager durablement : le recommencement pour éternel où silence et tension creusent une condition devenue fiction face à l’impertinence d’un temps nous dépassant. Des marées ou des vagues... Sisyphe et un mythe en pleine exaltation ; une couche de nacre à l’origine d’une source qui jamais ne tarit : une femme, sept échappées, autant de cris et un regard se voulant caresse pour se nourrir d’intime, créer une rencontre à la lisière de l’ineffable – entre nature et culture... Un voyage au bout du souffle ; un voile projeté sur une réalité empreinte d’incertitudes – puisque jamais on ne prend son envol sans le faire contre le vent.

︎︎︎︎︎︎ FLAT SPOT

Interactive video installation [5 screens with presence detectors/PIR sensors], 2015.

video#1 :: 01mn46-loop
video#2 :: 01mn43-loop
video#3 :: 04mn48-loop
video#4 :: 02mn16-loop
video#5 :: 01mn29-loop


The flat spot beamer :: snapshots in time [flash beat & random control]

EN | Flat Spot is a video installation offering an experiment on the theme of « the certification of past-presence » [Derrida], as a space of expression, a convergence place between memories and hope, crystallization and repressed impulses. For abstracting oneself from reality and its contingencies, letting oneself be carried by a romantic scenario, between imaginary wanderings and preservation of appearances – as in a dream in which the highly idealized alterity arises in reference to oneself, in an impulse whose dramaturgical motives reveal the visceral need to be considered in one’s singularity when even the social link never stops to become precarious. Fragility as a sign, desire as a trace, close to a future melting in a past attempting to transpose the dyadic illusion into a world beyond existence. An imprint originated from an encounter at the low point of the lack which, launched by envy in its delicate alteration, « its ephemeral destiny » [Freud], ends up put in standby, both « closest and furthest from oneself » [Augustine]. Beyond the language : a silence fell with evanescent promises in filigree. An absence which, relieved of its consubstantial exteriority, remains silent; a presence which shows its enigmas without betraying, towards a dive in the heart of the intimate, calling a voice coming from elsewhere : the reversal of a drifting glance towards « dancing words » [Nietzsche].

FR | Flat Spot est une installation vidéo proposant une expérimentation sur la thématique de « la présence absentifiée » [Derrida], en tant qu’espace d’expression, lieu de convergence entre souvenirs et espoir, cristallisation et pulsions refoulées. S’abstraire de la réalité et de ses contingences, se laisser porter par un scénario romantique, entre errances imaginaires et préservation des apparences – comme dans un rêve où l’altérité, fortement idéalisée, surgit en référence à soi, dans un élan dont les ressorts dramaturgiques révèlent le besoin viscéral d’être considéré dans sa singularité alors même que le lien social ne cesse de se précariser. La fragilité comme indice, le désir pour trace, proche d’un avenir se fondant dans un passé tentant vainement de transposer l’illusion dyadique dans un monde hors existence. Une empreinte issue d’une rencontre au creux du manque qui, portée par l’envie dans sa délicate altération, « son éphémère destinée » [Freud], se retrouve mise en suspens, à la fois « le plus proche et le plus éloigné de soi-même » [Augustin]. Au-delà du langage : un silence qui s’impose, promesses évanescentes en filigrane. Une absence qui, délestée de sa consubstantielle extériorité, se tait ; une présence qui montre sans trahir ses énigmes, vers une plongée au cœur de l’intime, appelant une voix venue d’ailleurs : l’inversion d’un regard dérivant vers « une parole qui danse » [Nietzsche].


Video 2mn40-loop, 2012.

ISAN 0000-0003-5E73-0000-K-0000-0000-E

︎︎︎︎︎︎  AS CLEAN AS A PUSSY

Video 2mn10-loop, 2011.

ISAN 0000-0003-007A-0000-9-0000-0000-A

︎︎︎︎︎︎  IN NUTS WE TRUST

Video 54mn-loop & performance, 2011

ISAN 0000-0002-CBBF-0000-N-0000-0000-5

EN | This performance will take place outdoors during the inauguration, in front of the exhibition site. Alya Noah, in overalls, locked in a cardboard box, will scrawl in chalk « in nuts we trust » on the walls that she will progressively cover, under the gaze of spectators who can observe her through multiple gaps. Only lightened by a little back up lamp, she will bustle to realize and complete her work by an ontological act of impregnation attempting to create an allegory between marking a territory and taking a position. The reality of the intervention is captured by an intramural camera rotating in sequence shot ; the scope of the action will naturally be bounded by the configuration of the premises ; the walls limiting the framing. A second camera will film the reactions of the audience for disseminating in real time the two shots inside the exhibition space and in this way bearing witness to the occurred event.

Alya Noah, through the simplicity of a spontaneous intentionality, asserts her elementary thoughts, as opposed to the sophistication of our postmodern world, and to its primitive origin: by analogy to cave paintings, the walls of the box follow those of caverns. More than mere words, in a bustling frenzy of the moment, she paradoxically questions the identity of the work by giving rise to doubt of its bedrock : referring to it in a reflexive dialectical, does the work maintain any significance or does it mainly contribute to ensure its own survival ? Furthermore is the imprint of the artist, sufficient to assure its influence over an external reality which therefore transformed into an abstract entity, sublimated beyond its materiality and prosaic appearance, creates distance from prejudices and other standard thinking ?

In nuts we trust is the transition from ritualization to idealization of an aesthetic gesture constructed in relation to a world supporting the realization of trivia : the gesture, being included in a process of autonomous creation injects sense where once inconsistency and confusion reigned ; composing, in addition, a partition where choreography and harmony come to life in the dynamic of the movement. Thus, Alya Noah, evolving beyond the usual time constraints, frees herself from the grip of the alienating everyday life and projects herself in an artificial space inducing a new temporality, ephemeral of course, but not precarious any more. While looking with a critical eye on her role as an artist, by the externalization of her words, the obsessive and pathetic character of her acts, she expresses singularity and leaves as a pledge traces of subjectivity to be legitimate.

FR | Lors de l’inauguration, cette performance se déroulera à l’extérieur, devant le lieu d’exposition. Alya Noah, en bleu de travail, enfermée dans une boîte en carton, griffonnera à la craie « in nuts we trust » sur des parois qu’elle tapissera au fur et à mesure, sous le regard des spectateurs qui pourront l’observer à travers de multiples interstices. Avec une petite lampe d’appoint pour seul éclairage, elle s’activera afin de réaliser voire d’achever son œuvre par un geste ontologique d’imprégnation tentant d’instaurer une allégorie entre marquage du territoire et prise de position. La réalité de l’intervention étant saisie par une caméra intra-muros tournant en plan séquence, le champ de l’action sera tout naturellement délimité par la physionomie des lieux ; le cadre s’arrêtant aux limites des cloisons. Une seconde caméra filmera les réactions des spectateurs afin de diffuser, en temps réel, les deux prises de vue à l’intérieur de l’espace d’exposition et témoigner, en définitive, de l’événement ayant eu lieu.

Alya Noah, à travers la simplicité d’une intentionnalité spontanée, affirme sa pensée élémentaire, par opposition à la sophistication de notre monde postmoderne, et remonte à son origine primitive : par analogie aux peintures rupestres, les parois du carton succèdent alors à celles de la grotte. Au plus proche de son propos, s’affairant dans une frénésie de l’instant, elle questionne paradoxalement l’identité de l’œuvre par une remise en question de son fondement : renvoyant à elle-même dans une dialectique réflexive, cette dernière conserve-t-elle une quelconque signifiance ou contribue-t-elle essentiellement à garantir sa propre pérennité ? L’empreinte de l’artiste, par ailleurs, suffit-elle à assurer son ascendant sur une réalité extérieure qui, dès lors, transfigurée en une entité abstraite, sublimée au-delà de son aspect matérialiste et prosaïque, met à distance préjugés et autres lieux communs ?

In nuts we trust ou quand le passage de la ritualisation à la sacralisation du geste esthétique se construit dans un rapport au monde édifiant la concrétisation du presque rien : le geste, inscrit dans un processus de création autonome, injecte du sens là ou jadis régnaient incohérence et confusion ; composant, de surcroît, une partition où chorégraphie et harmonie prennent vie dans une dynamique du mouvement. Ainsi, Alya Noah, en évoluant hors des contraintes temporelles usuelles, se libère de l’emprise aliénante de la quotidienneté pour se projeter dans un espace artificiel induisant une nouvelle temporalité, éphémère certes, mais non plus précaire. Tout en portant un regard ironique sur son rôle en tant qu’artiste, par l’extériorisation de son propos, le caractère obsessionnel et dérisoire de ses actes, elle exprime une singularité laissant pour gage la trace d’une subjectivité en vue de légitimité.


Video installation, 2011.

9 videos :: 11mn-loop
ISAN 0000-0002-BF5D-0000-D-0000-0000-Z


Soundtrack :: The murmurs

EN | Lilly Rose is a Lilliput is a video installation housed in a black wooden monolith, consisting of a panel with a length of about 1,20 m and 20 cm thick, directly attached to the wall at approximately 1,40 m in height. Nine doors are included. Behind each one, an iPod touch broadcasts on a loop a video clip suggesting the evanescent world of childhood. So, on each screen, distinguished from an opaque black background that blends with the structure; a presence : Lilly Rose, dressed all in white, bandaged feet, plays tirelessly a foolish scenery, « la fleur en col ». The spectator, mobilized, is involved in the exploratory process as much as in the cognitive development necessary for the reconstruction of successive fragments into a whole : he is bent, manipulates the installation, interacts with the physicality of the art piece and experiences the playfulness of the system by discovering sound and images. Like in Alice in Wonderland, transported to the heart of the action, he retains control of the situation and determines its field of vision as he sees fit, opening or closing the doors as he wishes to place before his eyes.

Lilly Rose’s character, confronted throughout the sequences with the banality of daily life, the idolization of little trivial things or the relative efficiency of efforts, confronts the viewer with the feeling or the sensation of his own fragility. Introducing herself as a lilliputian, admittedly superficial but also full of poetry, Lilly Rose embodies the pathetic splendor of a ridiculously markdown woman, cute substitute of ordinary girls infantilized by the whole society implicitly conservative. Extracted from the material reality, absolved from liability of her actions, without any real self-consciousness, she draws attention, asserts herself apart from any form of seduction and dares her laughable humanity while vanishing into the role of the burlesque character so often devoted to men.

The miniature video, while combining new technology and contemporary dimension, tends to optimize the field of reality since giving a non-standardized statute to her image, Lilly Rose appears not to be a dematerialized representation, but as if she would occupy the entire place, without any reference to a fantasy or imaginary world. Thus, reality captures an omniscient point of view, beyond any symbolic space, without the idea of determined off-screen or temporality ; the physical and mental framework of the character is that of the installation. As a result, Lilly Rose, alien to her own finality, like a physical object, a little gesticulating stuffed doll of sound within our reach, invites the viewer bluntly to contemplate her. Confined in her microcosm, cloistered behind countless doors, defined by a closed intrapsychic universe, the almost obsessive repetitive gesture that she uses liberates her willy-nilly of the weight of loneliness and of the torments of captivity without taking away her innocence. She remains, moreover, separated into nine fragments.

FR | Lilly Rose is a lilliput est une installation vidéo logée dans un monolithe noir en bois, constitué d’un panneau d’une longueur d’environ 1,20 m et de 20 cm d’épaisseur, fixé à même le mur à approximativement 1,40 m de hauteur. Neuf portes y sont inscrites. Derrière chacune d’elle, un iPod touch diffuse en boucle une vidéo, un clip évoquant le monde évanescent de l’enfance. Ainsi, sur chaque écran, se détachant d’un fond noir opaque qui se confond avec la structure, une présence : Lilly Rose, tout de blanc vêtue, les pieds bandés, joue inlassablement une scène cocasse, « la fleur en col ». Le spectateur, mobilisé, participe activement au processus exploratoire autant qu’à l’élaboration cognitive nécessaire à la recomposition des fragments successifs en une totalité : il se penche, manipule l’installation, interagit avec la physicalité de l’œuvre et expérimente la dimension ludique du système en découvrant son et images. Comme dans Alice au pays des Merveilles, transporté au cœur de l’action, il garde le contrôle de la situation et détermine son champ de vision comme il l’entend, ouvrant ou refermant les portes selon ce qu’il désire placer devant ses yeux.

Le personnage de Lilly Rose, confronté tout au long des séquences à la banalité du quotidien, à la sacralisation du rien ou encore à la relative efficience de l’action engagée, renvoie au spectateur la sensation de sa propre fragilité. En se présentant sous la forme d’une lilliputienne, superficielle quoique pleine de poésie, Lilly Rose incarne la splendeur dérisoire de la frêle jeune fille, succédané de la femme infantilisée par un corps social tacitement conservateur. Extraite de la réalité matérielle, déchargée de la responsabilité de ses actes, sans véritable conscience d’elle-même, elle se fait remarquer, s’affirme en dehors de toute forme de séduction et ose sa risible humanité en se fondant dans le rôle du personnage burlesque si souvent dévolu à l’homme.

La vidéo miniature, alors qu’elle allie nouvelle technologie et dimension contemporaine, tend à optimiser le champ du réel puisqu’en donnant un statut non standardisé à l’image, Lilly Rose apparaît non plus comme une représentation dématérialisée mais comme si elle occupait pleinement les lieux, sans plus aucune référence à un univers fantasmatique ou imaginaire. La réalité se saisit ainsi d’un point de vue omniscient, hors de tout espace symbolique, sans l’idée d’un hors-champ ou d’une temporalité spécifique ; l’environnement physique et le cadre mental du personnage étant celui de l’installation. De la sorte, Lilly Rose, étrangère à sa propre finalité, tel un objet physique, petite poupée de son gesticulant à portée de main, invite l’observateur à la contempler sans détour. Confinée dans son microcosme, cloîtrée derrière d’innombrables portes qui délimitent un univers intrapsychique clos, la répétition gestuelle quasi obsessionnelle dont elle fait usage la libère du poids de la solitude et des tourments de la captivité sans pour autant la déniaiser. Elle subsiste, au demeurant, dissociée en neuf fractions.

︎︎︎︎︎︎ WILL YOU MARRY ME ?

Video installation, 2010.

7 videos :: 70mn-loop [7x10mn-loop]
ISAN 0000-0002-8C46-0000-A-0000-0000-7

EN | The installation consists of seven flat screens, large format, projecting simultaneously 7 videos, left on repeat, with initial durations of 10 minutes each. Flat screens have been privileged to minimize distractions. The object disappears and is replaced by a full screen image. A visual and audible presence only remains and the spectator, free in his mobility, wanders in front of a female body in action, kind of a carnal envelope divided into 7 parts, with 7 shots huddled together for generating a clash with the image and cause, if need be : an experience of libidinal type.

Will you marry me confronts acts apparently intimate with pictures broadcast in close-ups and sequence shots with their own intrinsic narratives. The observer is immersed in a woman’s story within her physical intimacy ; at the confines of her loneliness. The lack of context and decor allows to freely imagine her appearance or her surrounding. Together, the close ups, minimalist and effect-less, are plainly sufficient : the gestures express themselves with their literalism; they become part of a specific universe, the orchestration of an intent tending to scopophilia. The installation does not create any period of time. Each plan is offered to the viewers' gaze in its real length; the off-screen contributes, moreover, to conceive an artifact, a unit that assembles the parts to build a whole.

The project defines a contemporary woman, cut from her individuality, shorn by schizophrenic speeches on beauty and pleasure until the outbreak of a paroxysmal state : the disillusionment. The alienation is reinforced, moreover, by the application coverage through several video monitors. Body parts are disconnected from each other. In this way, this woman overexposed, deformed or even mutilated in her contour lines by her exacerbated desire to be incorporated by an idealized [if not fantasized] third party ; doesn’t she feel trapped by her willingness to seduce ? She cannot be considered in her finitude and is limited to a series of impersonal stimuli ; deprived of any materiality, she lives through the instrumentalisation of her gendered nature, without discernment but with determination. The ambiguity appears then : the stereotypical woman, annihilated in her flesh mutates and gives way to the accession of a physical woman, limitlessly fetishized, beyond any cultural reference. She remains multiple, removed from the world, encapsulated in a solitude that is stirred up by the pressures of a consumerist society pushing the individual to focus on oneself, to indulge in a narcissism inciting to an unfailing negation of its essence to the pinnacle of the self-regarding culture.

The video installation is thus based on an illustration mentioning the paradoxical relationship between an exhibited body and a suggested psyche. Intimacy, unveiled, is reinforced in the process of the shots. The viewer, as close as possible to the gestural temporality of the character, is overwhelmed by a feeling of unease, or at least stupor. Submitted to his own alienating structure through his visceral need to infuse signification where only an image is required ; isn’t he involved, therefore, to the dramaturgy based on narration ? The cellophane wrapping, evocative of a dream like a promise of the future, sends us back to the poeticized representation of this woman : wrapped, ready to be consumed, ingested and digested, she offers herself in a desperate attempt to answer as well to her needs to appeal than to her necessity to be loved. But this intrusive desire to be and to appear declines and her body parts, at first erotic turn out to be repelling and ridiculous, absorbed by the excess and escalation of the transformation.

FR | L’installation est constituée de 7 écrans plats, de grands formats, projetant simultanément 7 vidéos tournant en boucle, d’une durée initiale de 10 minutes chacune. Les écrans plats ont été privilégiés afin de réduire les parasitages : l’objet s’efface pour laisser exister l’image en plein écran. Ne subsiste alors qu’une présence visuelle et auditive, où le spectateur, libre dans sa mobilité, déambule face à un corps féminin perçu dans l’action, sorte d’enveloppe charnelle morcelée en 7 parties, 7 plans serrés visant à susciter un accès frontal à l’image et provoquer, le cas échéant, une expérience de type libidinale.

Will you marry me confronte des actes en apparence intimes avec des images diffusées en gros plans et en plans séquences ayant leurs propres narrations intrinsèques. L'observateur est plongé dans l’histoire d’une femme, au sein de son intimité corporelle, aux confins de sa solitude. L’absence de contexte et de décor permet d’imaginer librement son apparence ou son environnement. Conjointement, les plans serrés, minimalistes, sans effets, se suffisent à eux-mêmes, les gestes s’expriment avec leur littéralité ; ils deviennent des univers en soi, l’orchestration d’une intentionnalité à portée scopophilique. Il n’y a aucune création temporelle subséquente à l’aide du montage. Chaque plan s’offre au regard du spectateur dans sa durée réelle et sa globalité ; le hors-champ contribuant, par ailleurs, à la conception d’un artifice, d’une unité rassemblant les parties en une totalité.

Le projet définit une femme contemporaine, amputée de son individualité, rudoyée par des discours schizophréniques sur la beauté et le plaisir jusqu’à l’apparition d’un état paroxystique : le désenchantement. L’aliénation est renforcée, du reste, par le déclinement du dispositif en plusieurs moniteurs vidéo. Les parties du corps sont déconnectées les unes des autres. De fait, cette femme, surexposée, déformée voire mutilée dans ses contours par son envie exacerbée d’être incorporée par un tiers idéalisé, sinon fantasmé, ne se retrouverait-elle pas prise au piège de sa volonté de séduire ? Ne pouvant être envisagée dans sa finitude, elle se résume à une suite de stimuli impersonnels ; dénuée de toute matérialité, elle se vit à travers l’instrumentalisation de sa nature sexuée, sans discernement mais avec détermination. L’ambiguïté apparaît alors : la femme stéréotypée, annihilée dans sa chair, mute et cède la place à l’avènement d’une femme physique, fétichisée à outrance, au-delà de tout référent culturel. Elle demeure multiple, détachée du monde, encapsulée dans un isolement avivé par les pressions d’une société consumériste poussant l’individu à se pencher sur lui-même, à se complaire dans un narcissisme incitant à la négation indéfectible de son essence à l’acmé même de la culture de soi.

L'installation vidéo repose ainsi sur une monstration évoquant le rapport paradoxal établi entre un corps exhibé et une psyché suggérée. L’intimité, dévoilée, se renforce au fil des plans. Le spectateur, au plus proche de la temporalité gestuelle du personnage, se retrouve saisi par un sentiment de malaise, ou tout du moins d’hébétude. Soumis à sa propre structure aliénante dans son besoin viscéral d’insuffler du sens là où seule l’image s’impose, ne participe-t-il pas, dès lors, à la dramaturgie de la narration ? Le cellophane, évocateur d’un rêve tel une promesse d’avenir, nous renvoie à la représentation poétisée de cette femme : emballée, prête à être consommée, ingérée et digérée, elle se propose dans une tentative désespérée de répondre autant à son besoin de plaire qu’à la nécessité d’être aimée. Mais ce désir envahissant d’être et de paraître s’étiole et ces parties du corps, de prime abord érotiques, se révèlent repoussantes et dérisoires, absorbées dans la surcharge et la surenchère de la transformation.